Gustav Klimt (14 de julio de 1862, Baumgarten, Austria-Hungría – 6 de febrero de 1918, Viena, Austria-Hungría) fue un pintor austríaco, uno de los fundadores del modernismo europeo. Hijo de un grabador y orfebre, eligió desde la infancia la carrera artística. Recibió formación académica en Viena y durante bastante tiempo pintó conforme a sus cánones. Por la decoración del teatro y del museo vieneses, Klimt recibió a los 26 años un premio imperial. Poco después, Gustav encabezó la rebelión de los jóvenes artistas austríacos contra los marcos y las limitaciones de la pintura académica, fundando la asociación de la Secesión de Viena. A pesar de los comentarios mordaces y las burlas de los críticos, Klimt siguió siendo hasta su muerte el favorito del público, que compraba sus cuadros con avidez.
Rasgos de la obra del pintor Gustav Klimt: las primeras obras notables del maestro fueron más bien decorativas. Al mismo tiempo, su tema predilecto a lo largo de toda su trayectoria siguió siendo el desnudo femenino. Klimt lograba representar a cada mujer abiertamente sexual y sensual, evitando a la vez la chabacanería y la vulgaridad. A finales de los años noventa del siglo XIX comienza en su obra el llamado «período dorado». Las obras de este período, pintadas con auténtico pan de oro, se convirtieron en las más célebres y caras del maestro.
Cuadros famosos del pintor Gustav Klimt: «El beso», «Retrato de Adele Bloch-Bauer», «Judit y Holofernes», «Palas Atenea», «Dánae», «Nuda Veritas», «Las tres edades de la mujer».
Puede afirmarse con seguridad que Gustav Klimt vivió una vida feliz. Desde la infancia se dedicó a lo que amaba y vivió un ascenso vertiginoso de popularidad antes de cumplir los 20. Nunca le faltó el dinero, lo que le permitía ser selectivo a la hora de aceptar encargos. Por último, el pintor estuvo siempre rodeado de admiradores entusiastas, mujeres amadas y jóvenes colegas que lo idolatraban. Seguramente este mimado de la fortuna no se sorprendería al saber que sus cuadros se consideran hoy obras maestras reconocidas y se venden por sumas astronómicas.
Evolución y revolución
En 1898 se celebró en la capital de Austria la primera exposición de la Secesión de Viena, una asociación independiente de artistas que desafiaban el arte tradicional. El éxito fue grandioso: la exposición recibió más de 60 mil visitantes, y los austríacos tuvieron por fin la posibilidad de ver las obras de los impresionistas franceses y de los modernistas vieneses. Pero muchos lienzos sumieron al público conservador en un auténtico estado de shock. En particular, las obras del presidente de la Secesión de Viena, Gustav Klimt. Críticos y espectadores se preguntaban perplejos: ¿qué mosca le había picado? ¿Era acaso el mismo Klimt que pintaba por encargo retratos clásicos «correctos»? ¿Era él quien, apenas unos años antes, como miembro de la «Compañía de artistas», había decorado la sala del Burgtheater y pintado los muros del Museo de Historia del Arte? Algunos representantes especialmente descontentos de la alta sociedad vienesa llegaron a proponer que se encarcelara a Klimt o se lo expulsara del país.
Pero en aquel tiempo grupos semejantes de artistas surgían por toda Europa, y los modernistas iban conquistando poco a poco el derecho a ser vistos y reconocidos. Y Klimt, cuyo estilo artístico en ese período empezó a transformarse de manera imparable, soñaba, como muchos, con librarse de las reglas y exigencias que se le imponían. A cada ataque malicioso el pintor Gustav Klimt respondía con un cuadro aún más provocador. En 1899 presentó al público «Nuda Veritas», que asustaba por su desnudez descarada, dibujada en todos sus detalles anatómicos. Gustav Klimt dedicó incluso a sus oponentes un cuadro aparte, que tituló precisamente «A mis críticos» (1901-1902). Una parte imponente del lienzo la ocupa una exuberante belleza pelirroja que vuelve hacia el espectador sus posaderas y lo mira con picardía por encima del hombro. Más tarde el maestro dio al lienzo el título de «Peces dorados».
Tras el escándalo de los cuadros para la Universidad de Viena, Gustav Klimt dejó de aceptar grandes encargos del Estado. El pintor había logrado reunir una suma de dinero bastante considerable y bien podía permitirse pintar solo lo que le interesaba. Y lo que le interesaba, ante todo, eran los cuerpos femeninos. A pesar del erotismo inequívoco de muchos lienzos, el público los acogía más que favorablemente; incluso los cuadros más polémicos de Gustav Klimt encontraban comprador al instante. Fueron precisamente las obras del «período dorado» («El beso», «Retrato de Adele Bloch-Bauer», «Friso de Beethoven», «El árbol de la vida») las que dieron al pintor su mayor fama, le permitieron elaborar y pulir un estilo propio e inimitable y convirtieron a Klimt en patrimonio nacional de Austria.
Otro género predilecto de Klimt eran los paisajes. Los pintaba sobre todo en verano, durante su descanso en el lago Attersee. Le permitían desprenderse del ajetreo urbano y pasar a una pintura no figurativa, conservando al mismo tiempo todos los rasgos del estilo reconocible de Klimt. Como la mayoría de sus cuadros, Gustav Klimt los pintaba sobre lienzos cuadrados, considerando que esa forma permite ampliar el espacio infinitamente en todas las direcciones. En sus últimos años el pintor se volcó casi por completo en los paisajes. La Primera Guerra Mundial influyó en el estilo de Klimt, haciendo sus lienzos más sombríos e inquietantes. En ese tiempo le interesan más el color y el ornamento que las formas reconocibles. Sin embargo, al público no le estaba destinado ver a un Klimt nuevo, renacido. El pintor falleció a los 55 años tras sufrir un derrame cerebral.
El peso de las pasiones en los cuadros de Gustav Klimt
Sobre los apetitos sexuales y el temperamento de Klimt corrían leyendas. Una joven pintora afirmaba que la había perseguido hasta Venecia para conseguir que lo correspondiera. Se rumorea que se acostó prácticamente con cada una de sus modelos. Por suerte, al pintor no le faltaban. Las mujeres de la nobleza hacían literalmente cola ante el taller de Klimt para obtener un retrato de su mano. El resto del tiempo recurría a los servicios de prostitutas. No era especialmente selectivo en sus relaciones. Pero si se observan con atención los cuadros de Gustav Klimt, pueden distinguirse dos tipos muy distintos entre sí que, al parecer, atraían especialmente al pintor. Las lujosas sirenas pelirrojas de cuerpos exuberantes («Dánae») alternan en los lienzos del maestro con morenas refinadas de rostros estrechos y figuras de muchacho (Emilie Flöge, Adele Bloch-Bauer).
No solo la lujuria del pintor se convirtió en comidilla, sino también su asombrosa fecundidad. Según distintas fuentes, Klimt fue padre de entre catorce y cuarenta hijos de diferentes mujeres. A algunos de sus vástagos incluso los reconoció oficialmente. Sin embargo, el pintor no contrajo matrimonio ni una sola vez en toda su vida, aunque, según los rumores, se lo propuso en más de una ocasión. A pesar de una vida en conjunto bastante modesta, la pasión por las mujeres era el único vicio que no podía negarse.
El aspecto moral interesaba poco al pintor, como, por cierto, las cuestiones de salud. Tras varios años de trato con prostitutas, Klimt contrajo, como era de esperar, la sífilis, una de las dolencias más extendidas en la Europa de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Este hecho de la biografía del pintor fue recreado en la película «Klimt» de 2006, donde él (por lo visto, bajo el influjo de la enfermedad) habla con personas inexistentes y padece visiones misteriosas.
A peso de oro
A pesar de los numerosos romances y aventuras, junto a Gustav Klimt estuvieron invariablemente dos mujeres a las que lo unía un apego especial. La primera fue la madre del pintor, Anna Klimt. Soñaba con dedicarse profesionalmente a la música y viajar por el mundo dando conciertos, pero no le estaba destinado. Se desconoce cuál fue exactamente la causa: la falta de talento, o el matrimonio y el nacimiento de siete hijos. Sea como fuere, al final Anna decidió consagrar su vida por entero al hijo célebre. No salía con él en sociedad ni trataba de atribuirse parte de los méritos de Klimt; simplemente vivía en silencio y sin llamar la atención en la casa de su hijo, cuidando solo de que siempre tuviera la comida caliente y la ropa limpia. El propio pintor lo aceptaba como algo natural, aunque no tenía caprichos especiales. Absorto en el trabajo, a menudo se olvidaba de comer, y a cualquier otra prenda prefería la tradicional blusa azul de maestro.
Hubo en la vida de Klimt otra mujer, a la que guardó apego durante toda su vida. A ella volvía invariablemente después de cada nueva aventura amorosa, junto a ella hallaba la paz. Esa mujer fue Emilie Flöge. Se conocieron a comienzos de la década de 1890, cuando Ernst, hermano de Klimt, se casó con Helene, hermana de Emilie. Pero ya en 1892 Ernst falleció (y poco antes había muerto también el padre del pintor), y sobre los hombros de Gustav recayó el cuidado de la familia, incluida la viuda de su hermano con su hijita. Fue en ese período cuando se acercó a Emilie. Cada verano lo pasaban juntos en el lago Attersee, de vez en cuando viajaban juntos (el pintor, en general, rara vez salía de Viena) y compartían todo su tiempo libre.
Sin embargo, Klimt pintó apenas un par de retratos de Emilie. Merece atención especial el lienzo de 1902. Rindiendo homenaje a la vocación de la mujer (era copropietaria de la casa de modas «Hermanas Flöge» y una diseñadora de talento), el pintor la vistió con un atuendo de complejo dibujo ornamental en su estilo «de marca». Pero lo más importante en este cuadro de Gustav Klimt es el esmero con que están pintados el rostro y las manos de Emilie. Los investigadores suponen que un detalle tan fino indica que conocía ese rostro y esas manos a la perfección.
Los biógrafos siguen sin ponerse de acuerdo sobre qué relación unía a Klimt y Flöge. Unos afirman que fue su amante permanente, con la que nunca se dignó casarse. Otros están seguros de que su vínculo fue exclusivamente platónico, y que precisamente por eso Emilie no le dio un hijo al maestro. Sea como fuere, la relación entre Klimt y Flöge duró 27 años, y, según testigos, las últimas palabras del pintor tras el derrame que lo abatió fueron la petición de que mandaran llamar a Emilie.
Autora: Evguenia Sidélnikova